Oniric Review

muzderauli - serie "mimética"
Valentine Storm, Nebraska
puestas en escena

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El Niño de Sidpa Yesang

por muzderauli

“Para mi, escribir este pequeño libro ha sido una experiencia equivalente a un yidam, es decir, una descripción visual de un estado interior, así como un método para comprender, y experimentar ese estado.’’

   Los cielos a los que me refiero realmente no pueden ser descritos. Los conceptos son usados para hacer volar la imaginación e inducirla hacia ella. Cuando planteo que: «Existen mundos en los cielos que se llaman de tal manera.» me gustaría pensar que realmente existen geográfica o astronómicamente, pero en realidad la afirmación apela a: «Un plano de consciencia al que puedes acceder.» Desde otro punto de vista, se puede considerar que las tierras de las que hablo, se hallan repletas de sufrimientos, purificándose, o que existen otras perfectamente luminosas, esto lo desprendo de la lectura de algunos textos, de mis apuntes de ellos y de una aproximación al punto de vista que la propia  divinidad podría poseer del universo y de los seres que practican un desinteresado amor. Personalmente me place vivir en la parte amable de la realidad y ver este mundo tal como es, aún sabiendo que en ella hay aspectos humanamente terribles, por tanto, esta lectura busca reconfortar a otros «ornamentando el pensamiento con una visión que puede, de acuerdo a las tradiciones sagradas de los pueblos, en algún plano ser». El niño es una iconografía que vengo desarrollando desde un tiempo, pensando en la infancia que todos sin distinción llevamos dentro. La batalla y la representación del bien y el mal, las he usado no como un referente literal de alguna fuerza física o material sino como una metáfora de la lucha situada en la mente. Comprendo que Om no es sólo una repetición de una conjunción gramatical, yo lo he empleado como la vibración de una bondad universal que subyace tras el pensamiento. Finalmente hay un sentido para los cielos que me deja más tranquilo y se refiere a todo lo que se puede abarcar con el amor. He escrito este pequeño libro, sin ninguna pretensión más que la de emplear un lenguaje y una intención que pueda llegar, de forma amable, al corazón y la mente de los que accedan a él.

Udumbara: Higuera que florece muy raramente cada tres mil años y que sirve de punto de comparación para evocar la rareza de un acontecimiento.

por muzderauli

Kham, personaje del cuento Udumbara
del libro: El niño de Sidpa Yesang
(sanguina, sepia y carbon sobre cartón piedra 28×35)
 — por muzderauli.

Andrei Rublev

Film by Tarkovski

Transcrito por muzderauli

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(Teófanes el Griego y Kirill)

min 21:25

= ¿Hay alguien en casa?

= Usted sólo vino para ver

= Si, para ver

= Entonces mire, pronto estaremos acabados

= Entonces usted es Teófanes el Griego

= Porqué me mira, mire para allá ¿de dónde es usted?

= Del monasterio Andronnikov

= ¿Monasterio Andronnikov?, por casualidad no será usted Andrei Rublev

= No

= Oí a todos elogiar a ese Andrei Rublev

= Él es bueno, pero no tanto así. Que colores tan delicados, oh señor…

= Porqué se detuvo de elogiarme, continúe

= No puedo, no encuentro las palabras correctas… Konstantin kostechevsky tenía razón cuando dijo… “apenas aquellos con la verdadera percepción pueden alcanzar su esencia”, entretanto de Andrei yo diré, él es como un hermano para mi. Es aclamado, es verdad, el pinta bien, con sutileza. Pero hay algo faltando en su trabajo. No hay algo maravilloso, no hay fe que venga de lo profundo de su alma. No hay simplicidad. Como dijo Epiphanius en la vida de santo Sergueius, “Simplicidad sin regocijo” lo sagrado es así. “Simplicidad sin regocijo”

= Veo que usted es un hombre sabio

= Si fuera verdad sería una bendición. Pero si alguien es ignorante ¿no es mejor ser guiado por el corazón?

= En mucha sabiduría hay mucho sufrimiento

= Dicen que usted pinta deprisa

= Si trabajara de otra forma quedaría hastiado, una vez gaste una semana en una imagen

=¿Y usted la tiró?

=No, use la tela para amasar repollos… es todo tan aburrido, tengo pupilos y asistentes en abundancia pero ninguno sirve. Ellos no saben ni leer ni escribir. Ayúdeme, sea mi asistente

= No ría de mi

= No estoy riendo, en la primavera preciso pintar la iglesia de la asunción en Moscu y no tengo asistentes para hacerlo. El techo está siendo construido, ¿usted entiende?

= Entiendo, pero yo no sería capaz

= Iré a enseñarle ¿ya preparó usted un muro? es inteligente, hasta estos idiotas consiguen preparar uno

= Yo dije, no es definitivo. Es usted quien sabe. Pero es bueno que no cambie de idea, pues yo guardo rencor

= Puedo cambiar de idea pero será un pecado para usted

= Un monje desconocido se le aparece a usted, y a usted le gusta el hecho de poder conversar con él sobre libros… y decide llevarlo consigo y favorecerlo. Pero no he leído un libro hace años y ni quiero hacerlo

= ¿Y porqué?

= Es otro mi camino

= Vió… y usted no quiere ayudar. Moriré en breve

= No debe decir eso

= La otra noche soñé con un ángel. El dijo: venga conmigo. Yo respondí: moriré en breve sin usted…. ¿va a cambiar de idea?

= Apenas con una condición

= Lo que usted quiera ¿dinero?, le daré la mitad de mi salario, ¿está bien?

= No, yo trabajaré gratis, si usted mismo viene al monasterio Andronnikov a buscarme, frente a la comunidad, la hermandad y frente a Andrei Rublev. Entonces yo deberé servirle como un esclavo, como un perro, hasta el final de mis días

=¿Cuál es tu nombre?

=Kirill

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(luego, pasado los días Kirill reflexiona en la habitación del monasterio)

voz en off:

“Siente el jubilo de tu alma muchacho y deja a tu corazón festejar los días de tu juventud. Camina con tu corazón y ve con tus ojos. Pero no olvides que por tus actos Dios te juzgará. Recuerda ahora a tu creador en los días de tu juventud, antes que vengan los tiempos de aprobación. Llegaran  próximos a los días en que dirás… no me complazco en ellos. Recuerda ahora a tu creador, antes que el cordón de plata sea suelto, el vaso dorado sea quebrado, el cántaro aplastado en la frente o la rueda quebrada en el pozo. Entonces el polvo volverá a la tierra como era y el espíritu volverá a Dios que lo creo. “vanidad de las vanidades” dijo el pregonero, “todo es vanidad”

“Las palabras de los sabios son como las bendiciones y las palabras de los eruditos son como clavos martillados hasta el fondo por un pastor. Por lo tanto hijo, debes separarte de esos libros producidos hace un sin fin, mucho estudio impone desgaste en la carne. Dejemos de oír las conclusiones del asunto en su totalidad. Teme a Dios y obedece sus mandamientos, pues para el hombre eso es todo”

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(Teófanes el Griego y Andrei Rublev)

= Dígame con honestidad ¿el pueblo es o no ignorante?… y ¿es o no es?

= Son ignorantes, pero que culpa hay en ello

= Es la propia estupidez, acaso nunca peco de ignorante

= Todos lo hemos hecho

= Yo también, Dios nos perdone. Está  llegando la ultima sentencia, arderán como velas. Escriba mis palabras, uno acusará al otro de sus pecados para defenderse

=¿Cómo puede pintar con tales ideas y hasta aceptar la glorificación? Me torne un ermitaño, viví en una caverna…

= Yo sirvo a Dios no al hombre… y sobre la oración. Lo que hoy es orado mañana es burlado. Ellos te olvidarán, me olvidarán, olvidarán todo. Vanidad y cenizas, peores cosas ya fueron olvidadas. La humanidad ya cometió actos de estupidez y villanía… y ahora no hace mas que repetirlos. Todo es un ciclo eterno que se repite siempre. Si Jesús volviese a la tierra lo crucificarían nuevamente

= Es claro que si apenas el mal fuese recordado, usted nunca estaría feliz en presencia de Dios. Tal vez debamos olvidar algunas cosas, pero no todo. Usted sabe… yo no se como decirlo

= Entonces calle y escuche. Recuerde el viejo testamento. Jesús enseñó al pueblo en los templos. Para que ellos se reunieran más tarde para matarlo, crucifíquenlo ellos gritaban, crucifíquenlo. ¿y los discípulos? Judas lo vendió, Pedro lo negó. Todos huyeron, en tanto eran los mejores

= Pero ellos se arrepintieron

= Eso fue después cuando ya era demasiado tarde

= Nunca es tarde para el arrepentimiento. Usted piensa que las personas sólo pueden hacer el bien. Claro que las personas practican el mal, pero no se puede culpar a todos, es difícil y pecaminoso creo. Judas vendió a cristo y quién lo compró, personas. ¿Quién acusó a cristo? los escribanos y los hipócritas que no pudieron encontrar testigos por mas que intentaron ¿quién atestiguaría contra este inocente? Mas tarde encontraron traidores

= Fueron encontrados inmediatamente, y no solo uno sino dos

= Los hipócritas eran maestros en fraudes, educados. Ellos estudiaban para ganar poder, para ganar ventaja sobre la ignorancia del pueblo, precisamos recordar que ellos eran pueblo, de la misma sangre, de la misma tierra. El mal está en todas partes alguien siempre irá a venderlo por treinta piezas de plata. Nuevos infortunios asolarán constantemente al campesino, los enemigos, la enfermedad, la plaga y ellos trabajar, trabajar y trabajar cargando la cruz de la resignación, sin desesperarse, en silencio y pacientes. Ellos sólo piden a Dios tener fuerzas suficientes. Entonces ¿Cómo podría Dios no perdonarlos por su ignorancia? usted mismo lo sabe, a veces está cansado y encuentra una mirada humana en la multitud y todo se torna mas leve ¿no es así? usted habló de Jesús, tal vez el halla nacido para conciliar a Dios y al hombre y si murió en la cruz es porque había sido premeditado, y su crucifixión y muerte fueron voluntad de Dios. Eso traería la ira sobre aquellos que lo crucificaron, pero de aquellos que lo amaban, si estuviesen cerca de él en aquel momento, pues lo amaban como apenas pueden amar los hombres. Pero si él los hubiese abandonado por su propia voluntad. Demostraría injusticia o tal vez crueldad. Tal vez aquellos que lo crucificaron lo amasen pues ayudaron en el plan divino.

= ¿Usted entiende lo que está diciendo? …ellos lo exiliarán, y renovarán sus  figuras

= ¿No es verdad? …también usted dice siempre lo que piensa

= Pero no soy monje, soy un hombre libre

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Día Santo, primavera de 1408.

Min 56:47

Andrei Rublev (biografía del pintor medieval)

Film by A. Tarkovski

(Андрей Рублёв) (1966)

MARIONETA DE PAPEL

David Aniñir (poeta Mapuche)

Entrevista

Macarena Gallo para THE CLINIC

Transcrito por muzderauli

 

 

Hasta hace poco el poeta David Aniñir Guilitratro (39) trabajaba como enfierrador en una construcción. Una labor pesada que lo dejaba muerto todos los días. Y sin muchas ganas de escribir sus poesías, unos poemas que no quieren ser poemas y que tienen más pinta de prosa. La vida doble de trabajador de la construcción y escritor lo terminó por colapsar. “tengo una suerte de amor y odio con el oficio de obrero”. Tiene todo mi respeto, pero ahora quiero colocar dentro del contexto social al poeta y al escritor que desarrolla las letras y este trabajo me deja pa la cagá. Sin las energías y motivaciones para poder estar en un proceso de creación poética, dice el autor de Mapurbe, venganza a raíz. Sin embargo, está consciente que más temprano que tarde volverá a la contru. Siempre he estado en el vaivén de ir y volver. De alguna manera, la contru es una bestia que me ha servido para parar la olla. Me gustaría no volver, pero siempre está ahí latente.

Esta experiencia te sirvió para desmarcarte de la poesía tradicional mapuche y contar cómo es la vivencia de un mapuche en la urbe.

Claro. La mayoría de los mapuche que llegó a la ciudad tuvo que conformarse con ser empleada doméstica, panadero u obrero, como en mi caso. Quienes nacimos en la ciudad, somos producto de este despojo provocado por un modelo económico de usurpaciones de tierras. Mis padres tuvieron que emigrar a la fuerza y no llegaron a Las Condes (Santiago de Chile), sino a las poblaciones periféricas. Frente a esa realidad, el mapuche se ha ido autoidentificando como mapuche urbano. Esa realidad es la que fundó mi poética, que no es un adorno para instalarse como florero dentro de la fauna folclórica del cómo nos miran a los mapuche.

¿Cómo?

Tal como dice Pedro Cayuqueo, nos muestran como la postal de la lanza, el trarilonco y la ruca. Mi poesía es totalmente crítica y reflexiva. Cuando era chico, uno de los elementos que entró en mi ser fue redescubrir que era mapuche.

¿Te negabas como mapuche?

No. Sabía que era mapuche, porque era súper notorio cuando decían en clases ¡David Aniñir Guilitraro!, los hueones se burlaban de mi apellido, decían que tenía el pelo chuzo y que era un indio culiao. Era una hueá que había asumido desde mi infancia, pero en la juventud me di cuenta del peso de ser mapuche. Viví una doble discriminación. Pues vivía en  una población que era marginal, donde más encima me discriminaban por ser mapuche.

¿Y cómo es el panorama actual?

Distinto. Ya es normal ver peñis moviéndose en la ciudad cagados de la risa. Tenemos problemas, pero el tema de la identidad está más asumido.

¿Y cómo son vistos ustedes por los mapuches que viven aún en comunidades en el sur?

Obviamente sigue siendo mal visto vivir acá. Hay muchos sectores de mapuches a los que se les hace imposible asumir que existen mapuches urbanos, que forman parte de la garra blanca (hinchada de futbol del equipo Colo-Colo), que tienen bandas de rock, que participan en colectivos punketas o hasta en grupos de reggetoneros. Muchos están ocupando elementos de la cultura dominante, pero de manera estratégica, para incrementar el desarrollo, la identidad y el sentido de pertenencia con nuestro pueblo. Es completamente lógico ocupar estrategias que tienen el enemigo para sobrevivir. Siento que era necesario refrescar a las nuevas generaciones.

¿Por qué necesario?

Todas las culturas se van transformando. Se van situando de acuerdo a la realidad que les toca vivir. De alguna manera, a nosotros nos afectó culturalmente el tema de la lengua y hay que hacer esfuerzos para que no se pierda. Yo aprendí en el colegio francés, inglés, castellano y nada de mapudungún. Nos han negado nuestro idioma. Por otro lado, muchos de nuestros padres no quisieron hablar más mapudungún cuando vieron que ellos mismos y sus hijos eran discriminados. Fue un choque fuerte, yo soy parte de esa generación media analfabeta, pero tengo algunos códigos que me hacen comunicarme.

Como el flaitedungún

Es una forma de resignificarme. Por eso tiene sentido y lógica. Es el balbuceo que hay entre lo que rescatamos de nuestra alma mater del mapuche, con unos visos de inglés, lenguaje del coa chileno y el hablar flaite. Entonces la identidad se reconstruye con nuevas formas de expresar esa identidad que incluye todos estos modismos.

¿Por qué reflejas tanto odio por Santiago en tus mapuchemas?

La centralización que existe acá, donde todo el poder económico ha estado distante de las realidades que hay en regiones, es una mierda. Si estamos asumiendo esta realidad, me gustaría vivir en Valparaíso. Lo charcha de Santiago es que es un hoyo.

Tienes un sentido poema-homenaje a Santiago en cien palabras, que dice “conchadesumadre, conshesumadre, chuhahetumare, rechuchatumare, shetumare”

Es un poema súper simple con una carga fuerte. Es conchasumadrear a Santiago. Este odio por Santiago se debe a que desde  acá nos fueron a cagar al sur. Todo se operó desde acá y ahora el Estado se hace el hueón. Este odio no es contra los santiaguinos, sino contra el aparataje de estos hueones que históricamente han disparado a nuestro pueblo y generado una violencia injustificable.

Mapurbe tiene un subtítulo “venganza a raíz”, ¿contra quién es esa venganza?

Es una venganza poética contra el dominante, la Iglesia, el Estado, el poder económico, el poder militar, el poder político que ha conspirado y se ha coludido para lacerar a nuestro pueblo. La realidad de nuestra historia nos dice que fue con sangre que nos cagaron y nos siguen cagando aún. Nuestros peñis se la siguen jugando. Y frente a eso uno no puede estar tranquilo ni en buena onda, sino que hay que vengarse, los peñis están en cana. Hay hueones que se han quedado con un territorio inmenso que nos pertenece. Los hueones de Figueroa, Angelini y Matte se han hecho ricos con nuestras tierras.

¿Qué representan ellos?

Son unos ladrones, no pueden ser tan care raja. Representan el poder económico coludido con el poder político y judicial más toda la manga de hueones que está en los poderes facticos y los perros que son los milicos. A este país culiao no le interesa nuestra historicidad. Por eso no hace nada. Hay mucho llanto, dolor y pena hueón.

¿Cómo vez la huelga de hambre mapuche?

Los hueones quieren meternos a la cárcel. Pero no tienen muchos argumentos. Así ha sido siempre.  Y quienes están sufriendo las consecuencias más brutales de este modelo de mierda son los peñis encarcelados que están en huelga. Me afecta mucho eso. Me da rabia que los peñis se tengan que enfrentar a los perros milicos para reivindicar la historia de nuestro pueblo. En el imaginario está quedando que los mapuche somos terroristas, quemabosques, incendiarios. Qué más inventarán. Esas denominaciones absurdas me huelen a Hinzpeter y todos sus ministros fascistas. Tienen una fantasía enorme esos hueones, quizá han visto mucha película o están asesorados por puros nazis

¿Cómo?

Aquí hay una lucha política y esos hueones saben que los argumentos que tenemos están fundados en nuestra historia y ellos no tienen ninguno que puedan sustentar. Los únicos muertos que tenemos son nuestros, ellos son los terroristas no nosotros. Acá el conflicto va a estallar nuevamente cuando muera otro mártir. Me gustaría saber dónde están los muertos del otro lado, dónde están las bombas, la preparación paramilitar que dicen tienen nuestros peñis o los recursos de Osama Bin Laden para ayudarnos en la lucha…

¿Notas alguna diferencia en cómo han tratado el tema mapuche la derecha y la concertación?

No. Este gobierno no ha hecho nada distinto, son los mismos hueones de siempre, ahora es más brutal, y no ha habido ninguna posibilidad ni voluntad política de los gobiernos para con los derechos y las necesidades del pueblo mapuche. Al contrario, tienen a niños presos, una niña exiliada, un niño que anda fugado por la montaña… eso da rabia.

¿Cómo ha sido recibida tu poética en el mundo poético mapuche más tradicionalista?

Hay todavía poetas que escriben de la ruca, del zorzal, la flor y del río. Yo hablo del río, pero del Mapocho.

¿Cómo vez la poesía mapuche actual? ¿Tienes alguna cercanía con Jaime Huenún, Leonel Lienlaf o Elicura Chihuailaf?

Me gustan mucho los poemas cortos de Lienlaf, la narrativa poética media prosaica de Huenún y la cosmovisión de donde la mires de Chihuailaf. Pero no se mimetizan con mi poética, no tienen por dónde. Yo hablo desde lo coloquial, desde la calle, desde la vida pateada, la vida al tajo, la vida al borde con contextos totalmente crudos y ácidos. No es el tradicionalismo que evoca la realidad del campo como hacen los poemas de Elicura, Huenún y Lienlaf. Lo mío viene a refrescar eso, pero también se funda en esos poetas observadores de nuestro pasado. Estoy en completa confrontación con el castellano, la gramática y las formas de escribir.

Marioneta de Papel

Haruka Nakamura

Interview

Haruka Nakamura

by Tobias Fischer

 

Already in April of last year and as part of a feature about “Japanese Pastoralia” over at our friends of textura, Haruka Nakamura mentioned “the beautiful sunset” as one of his most important sources of artistic inspiration. Now, he has made an entire album dedicated to it. “Twilight” (out on July 15th on Kitchen.Label) captures the beguiling and unreal transitional phase when the day slowly sinks into the slumber of the night like a beautiful butterfly withdrawing into his cocoon to turn into a caterpillar again. The album, Nakamura’s third after two full-lengths on the Schole imprint, is his most ambitious to date and sees him outgrowing the formerly suitable “pastoralia”-label and moving into a new, more mature direction. With its goldenly gleaming horn harmonies, pristine piano progressions, chambermusical ensemble play, dreamy polyphonic chant and ethereal electronica, the work is equally part of a greyzone between the album format and a symphonic poem, between contemporary classical, ecm-jazz and a unique own vision of improvised folk. And despite it’s instantly appealing approach, it is also a remarkable sonic experiment, with the entire music having been recorded in sync with the sunset over the studio: You’re literally hearing the instrumentalists describe their impressions of twilight in real-time. Don’t be surprised if the result should move you to tears: The world around us isn’t just full of little wonders – it is full of wonderful music as well.

What makes the hours between day and night so inspiring?
Though there was not much else in the country town where I grew up, there was certainly beautiful nature. When I was young, I always watched the wonderful dusk setting in the mountains from my window. The time when the day ends is the moment I love most. So I thought it would be absolutely splendid, if I could add sound to this beautiful scene. The process of creating the music on “Twilight” was therefore sparked by this desire, which has been fulfilled, now that I’ve completed the album. As you can see, the imagery of sunset is extremely important to me.

Is the album an effort of going back to those days in the countryside?

There isn’t so much an element of of escape in my theme, because I didn’t just limit myself to Tokyo. Instead, the album is dedicated to the time of the setting sun till the time before night falls, no matter where it may be. Having said that, I do have a yearning for the quietness of the countryside, because that’s where I lived before moving to Tokyo.

Perhaps this is also why visual cues and sound are so closely related in your work …
Memories are indeed an important source of my inspiration. The first track “Evening Prayer” was made to the image of the last rays of the sun. As for the final track in the album “The Light”, it was made as a prayer for tomorrow. It seems that I often make music matching particular scenes or sceneries. Quite often, the Polaroids I take seem to become painting-like images linked to my memories, and that’s why I like using them.

Is there also a philosophical approach to „Twilight“?

At the end of a day, people return to their neighbourhoods and the town lights up. Families and friends surround the dining table with laughter as one day ends and the next one begins. It is this natural structure of day which repeats itself like a cycle. I don’t think of sunset as a metaphor for late years. To me it’s rather a sign of something that occurs every day. Sunset is a precious time that exists because we’re moving towards tomorrow. This theme inspired the album.

How does this theme unfold over the course of the album?
“Evening Prayer” and “Scenery with music” are part of the same story, performed with piano, and were intentionally composed in the same key. The last track of the album “The Light” is like a slow end title to a movie. “Verandah” and “Faraway” are connected, thus turning into a single piece together. In particular, those two tracks evolved from a composition called “The Memory of a Rainy Day” which was produced years ago. After these two sceneries of rain, the album changes its scene.

The recording sessions seem to have been quite incredible …
Most of the music on this album was recorded in a studio by the seaside at dusk and all the piano tracks were recorded during that single session. On that fine and calm day, the last rays of light shone unforgettably. As for my collaborators, I began with utmost respect and trust for them, from the depth of my heart. After presenting them my recorded piano tracks, I allowed them to play as they liked, with no special demands or instructions whatsoever. I think this was the best method for the album.

What kind of instrumental colours were you looking for?
At the initial stages of making this album, I thought that I should make music that would be a reflection of my inner self. A year before I began working on the album, I performed at various venues with Isao Saito on drums and then decided that we should record the album by pure improvisation, all in a day’s work. In addition, I liked the location of the recording studio which was by the sea (where I also recorded with my band kadan), and especially the sound of the piano in the studio. Thus without hesitation I decided that this would be the place to record the album. In the early stages of the album, I decided to invite a saxophonist and a violinist to freely choose from any of the session tracks between myself and Isao, to collaborate on. Their performance far exceeded my expectations.

There’s also a very scarce use of electronic elements …
There wasn’t really any particular reason for using electronic elements as such. However, “Faraway”, “Twilight”, as well as my collaboration with April Lee of aspidistrafly were definitely important turning points for the album. For those pieces, I used my typical production technique for handling such elements, including electronic processing and reverse sounds.

Are there perhaps certain chord progressions that match the mood of the setting sun better than others?
Most of the piano in the album was performed by improvisation, thus there were no specific chord progressions. It’s impossible to explain in detail, because the music that was made seemed to naturally become the evening. This album was born from how I started playing piano from a young age, and contains all my compositions since that time.

Your previous album was called „grace“ and your new material actually feels very graceful. What does the term mean to you?

The last album “grace” held an intentional meaning of “blessing”. However, the basic meaning of  the word “grace”, or “elegance” is something that I wish for my music to always hold.

 

Marioneta de Papel

Naji Al-Ali الفنان التشكيلي ناجي العلي

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NAJI AL-ALI – PALESTINIAN CARTOONIST

“My thinking is internationalist, and my concerns humanitarian.”

by Mark Vallen, ART FOR A CHANGE

Naji al-Ali was one of the best known political cartoonists in the Arab world. His works afford Westerners an insight into Arab public opinion, something which is needed now more than ever before. Naji was not a political or religious extremist, and his works represent the widely held views of the Arab people. He was born in the Northern Galilee in Palestine and grew up in a refugee camp in Lebanon. When he was young, Naji was jailed several times for his political cartoons… and his jail experiences further developed his artistic/political tendencies.

Eventually he traveled to Kuwait, where he studied art academically. At this point Naji was convinced he could become influential as a cartoonist, and that his works would help contribute to the liberation of his people.

In most of Naji al-Ali’s cartoons there stands a small boy viewed from the backside. That small boy is Naji al-Ali himself as a child expelled from his Palestinian homeland. Naji named the character Hanzala… which means “bitterness” in Arabic. The artist saw his Hanzala character as a bold witness to history, and he said that his character was, “my icon which safeguards my soul from committing mistakes… he is the ever alert conscience.”

Naji al-Ali’s cartoons were published in Kuwait, Egypt, Jordan, Morocco, Tunisia, and Palestine… places the artist himself was forbidden to visit. Conservative Arab regimes disliked Naji with almost the same zeal as his Israeli enemies, and Naji received numerous death threats. He eventually moved to England where he continued to lambaste the powerful with his vitriolic pen. On July 23rd, 1987, Naji al-Ali was standing outside the offices of the AL QABAS newspaper in London when he was shot in the face by an unknown assassin. The artist’s voice was silenced at last, but his little Hanzula character continues to be more than a witness to history. Soon after Naji al-Ali was taken from this world by the enemies of art and justice… the first Intifada (uprising) began


Naji al-Ali: La conciencia sin tiempo de Palestina
por Arjan El Fassed, The Electronic Intifada


El miércoles 22 de julio 1987 a las cinco de la tarde, caricaturista palestino Naji Al-Ali aparcó su coche en el suroeste de Londres, y caminó unos metros hacia las oficinas del diario kuwaití Al-Qabas donde trabajaba. Un hombre armado, vestido con una chaqueta vaquera, que caminaba con calma  por Draycott, se acercó y le disparó un tiro en la cabeza provocando su desvanecimiento.

Uno de los primeros en llegar al lugar fue André Müller, de 27 años, de Putney, que trabajaba en la tienda de Peter Jones junto a la calle Ives. Fue convocado a la escena debido a sus conocimientos de primeros auxilios. Él dijo: “Yo le tomé el pulso para ver si estaba respirando y unos minutos más tarde la policía llegó y me dijo que me quedara con él.”  Después de cinco semanas en coma, unido a un equipo de soporte de vida en el hospital de San Esteban  en el departamento de neurocirugía del hospital de Charing Cross en Londres, Naji al-Ali murió a las 5 am el Sábado, 30 de agosto 1987 a la edad de 49 años.

Un amigo de Naji al-Ali, fue citado diciendo que él había advertido que su vida estaba en peligro en una llamada telefónica de un miembro de alto rango de la OLP en Túnez. La llamada telefónica, dos semanas antes del asesinato, se produjo después de la publicación de una caricatura que atacaba a una amiga del líder de la OLP Yasser Arafat.  “La caricatura se hizo famoso en la comunidad árabe”, dijo el amigo.  La persona que llamó dijo: “Usted debe corregir su actitud.” “No digas nada en contra de la gente honesta, de lo contrario vamos a tener negocios que resolver”, continuó la persona que llama. Naji al-Ali hizo caso omiso de la advertencia y publicó una viñeta satirizando a Arafat y sus secuaces.

Naji al-Ali llegó a Londres en 1985.  Estaba casado y tenía cinco hijos. El editor de Al-Qabas, que fue citado en el Times de Londres dijo que al-Naji Ali había recibido más de un centenar de amenazas de muerte en los últimos años. “Yo no sé quién podría ser responsable, porque ha sido un crítico de tantos grupos. Pero debido a cómo son las cosas en la política árabe, nada me sorprende”, dijo. “Nuestro trabajo es una tarea independiente y no es un fuerte crítico de cualquier grupo en particular, así que no puedo ver por qué debería haber un ataque contra nosotros. Creo que se entiende como un ataque directo a él.”

En un artículo publicado en Middle East International (10 de octubre de 1987), profesor Hisham Sharabi de la Universidad de Georgetown escribió:

¿Quién es responsable por el asesinato de Naji al-Ali ¿Quién es responsable por el asesinato de decenas de palestinos -? Todos sabemos lo que son – ¿quienes pagan por la libertad de conciencia con sus vida?”

“Fue nuestro silencio y el miedo que nos hizo aceptar sin protestar por la restricción de la libre discusión y permitir que el terrorismo determinara la forma de como nuestras diferencias se resuelven. La historia ha demostrado que cuando los movimientos de liberación sofocan la libertad se vuelven incapaces de llevar a cabo la tarea de la liberación, se cierran en sí mismos y ciegamente. Presentar la violencia que existe en el asesinato de Naji al-Ali es una lección, que si no somos capaces de entender que si se pierde la capacidad de determinar nuestro destino [...]. sin el debate libre y desinhibido, el potencial de alcanzar la libertad de los palestinos en todos los campos seguirá siendo reprimida o perdida, y con ello la capacidad para enfrentar y resolver los problemas ( )”

Naji al-Ali es uno de los comentaristas más influyentes en Palestina.  Sus obras influyeron en todo tipo de personas, que solían esperar con impaciencia cada mañana, para ver sus dibujos en la última página de muchos periódicos árabes. En todos los dibujos animados que al-Ali dibujaba, aparece ‘Hanthalah’ su famoso personaje hecho a mano “el niño descalzo” que dio la espalda al mundo y que se convirtió en una marca a lo largo de su larga carrera. La idea se le ocurrió cuando trabajaba en Kuwait durante la década de 1960. “He creado este personaje como símbolo de mi infancia perdida”, dijo.

“Este niño, como se puede ver está descalzo como muchos niños en los campamentos de refugiados. Los que llegaron a conocer” Hanthala “, como descubrí más tarde, lo adoptaron porque es cariñoso , honesto, franco, y un vago. Él es un icono, sus manos detrás de la espalda son un símbolo del rechazo de todas las mareas negativas presentes en nuestra región. ”

Con frecuencia detenido por la policía y censurado, al-Ali fue expulsado de Kuwait en 1985. Se trasladó a Londres, donde siguió trabajando hasta que fue asesinado.  La muerte de Naji Al-Ali marcó el final de una era, e irónicamente el comienzo de la Intifada en los territorios ocupados de Palestina.

Nacido en la aldea de Al Shajarah cerca de Nazaret en 1937, fue víctima de la Nakba en 1948.  Su familia se vio obligada a abandonar el campamento de refugiados Ein Hilwa en el sur de Líbano.  Su carrera artística comenzó en el Líbano durante la década de 1950. “Empecé a utilizar el dibujo como una forma de expresión política, mientras que en las cárceles del Líbano. Fui detenido por la Oficina Deuxième (el servicio de inteligencia del Líbano), como resultado de las medidas adoptadas para contener las actividades políticas en los campamentos palestinos en el años sesenta. dibujé en las paredes de la prisión. ”

El fallecido escritor palestino Ghassan Kanafani, que era dueño de la revista al-Horiya en el Líbano, y que fue asesinado en Beirut en 1971, vio a algunos de sus dibujos y le animó a continuar, y, finalmente, publicó dos caricaturas en su revista.

El campamento de refugiados influenció a Naji al-Ali enormemente, y fue allí donde por primera vez fue testigo de las restricciones impuestas al pueblo palestino. Juró entonces sumergirse en la política y servir a la revolución palestina por todos los medios a su disposición. Al-Ali fue formado originalmente como un mecánico, pero su primer amor siempre fue el dibujo, lo que le llevó a un curso de arte de un año en la Academia de Arte del Líbano.No fue hasta más tarde, cuando trabajaba como periodista en Kuwait, donde trabajó primero como redactor, reportero, e incluso como secretaria, en Al Tale’ah revista semanal.

“Yo estaba allí para poder expresar mis sentimientos y pensamientos por medio de dibujos animados.” A menudo se define como un realista, uno alineado a su clase social, los pobres.  Este punto de vista era evidente en la mayoría de sus caricaturas. “Los pobres son los que sufren, son condenados a la cárcel, y morir sin derramar lágrimas”. Más tarde, regresó al campamento de edad en el sur de Líbano, y encontró trabajo con el periódico Al-Safir, pero estaba consternado por el cambio en las actitudes.

“Cuando salí del campo, todo el mundo teníapasión a la idea de liberar a toda Palestina, pero a mi regreso, me encontré con que menos de la mitad de la gente estaba contenta con la liberación” Pensó que la búsqueda de dinero fue el responsable del cambio de principios.

Durante la invasión israelí del Líbano en 1982, Al-Ali se vio obligado a abandonar su casa de nuevo, pero esta vez en los barcos llenos de cientos de combatientes palestinos. Después de varios años de desplazamiento,  finalmente se acomodó en Kuwait, donde encontró trabajo con el diario árabe, Al-Qabbas. Pronto encontró que la presión y las amenazas de ciertos grupos políticos lo obligaron a trasladarse a la rama de Al Qabass ‘en Londres. Fue su último movimiento antes de su muerte en 1987.

Naji Al-Ali usa sólo líneas simples y trazos para representar sus ideas y pensamientos sobre el papel. Sus obras y sus pensamientos fueron impresionantes e inusuales.

En 1992 se hizo una película árabe sobre su vida.  La película “Naji al-Ali”, con el actor egipcio Nur El-Sharif, ganó la admiración generalizada y el respeto de todo el mundo árabe. Diez meses después de Naji al-Ali fue asesinado, Scotland Yard arrestó a un estudiante palestino que resultó ser un agente del Mossad. Durante el interrogatorio, el hombre nacido en Jerusalén, Ismail Suwan, dijo que sus superiores en Tel Aviv había sido informado con antelación de la conspiración para matar al caricaturista. Al negarse a transmitir la información pertinente a sus homólogos británicos, el Mossad se ganó el desagrado de Gran Bretaña, que respondió expulsando a dos diplomáticos israelíes de Londres. Una furiosa Margaret Thatcher,  entonces primer ministro, cerró la base del Mossad en Londres en el Palacio Verde, Kensington. Sin dejarse intimidar por la reacción británica, el Mossad utilizando pasaportes falsos de otro gobierno occidental envió a sus agentes a Túnez para sentar las bases para el asesinato de Abu Jihad.

Israel y Gran Bretaña habían estado en contacto durante varios meses a través de canales diplomáticos sobre Suwan revelaciones de que había trabajado con el Mossad. Los periódicos informaron que la acción fue en parte resultado de la acumulación de agravios contra el Mossad, incluyendo el secuestro de Mordechai Vanunu y el uso de pasaportes británicos, que se encuentra en una cabina telefónica en Alemania Occidental en 1987.  Sin embargo, a pesar de la detención por Scotland Yard y una investigación por el MI5, la identidad del asesino nunca ha sido revelado.

A lo largo de la historia, los artistas se han enfrentado a la amenaza de la violencia cuando su trabajo ofende al Estado o la élite política. El fallecido caricaturista palestino Naji Al-Ali produjo miles de caricaturas satirizando los poderes fácticos en el Oriente Medio, y pagó el precio más alto por su expresión.

Naji al-Ali sigue siendo el artista más popular en el mundo árabe, amado por su defensa de la gente común, y por sus críticas a la represión y el despotismo. Paradójicamente, una estricta censura y el analfabetismo generalizado en el mundo árabe le ayudó a lograr su éxito notable. Sus caricaturas implacables exponen la brutalidad del ejército israelí y la hipocresía de la OLP, lo que le valió muchos enemigos poderosos.

ART FOR A CHANGE

Palestinian Center for Human Rights

Marioneta de Papel

Patricio Guzmán

Recursos narrativos para el Cine Documental

by muzderauli


El documental

El documental es un viaje y en ese viaje siempre hay sorpresas. El documental es una materia que se mueve, por tanto en ese movimiento hay que salvar los obstáculos con el arte de improvisar.

El dispositivo

El dispositivo es la alegoría de la idea, es encontrar el viento que la eleva o la metáfora que se superpone para representarla o proyectarla visualmente. El dispositivo es el elemento que funciona como espejo para reflejar o retratar la idea resolviéndola visualmente. La propia necesidad descubre al dispositivo, se nos presenta en el camino, nos aparece o bien lo debemos encontrar. Los mecanismos de la creación se ponen en marcha cuando contamos, relatamos, narramos. Lo que significa confrontar al status quo del lenguaje clásico. No se puede hacer cine documental como empleado de banco. Las distancias teóricas en el documental no funcionan, porque necesitas tanta pasión para hacer cine que tienes que estar plenamente involucrado con el tema. La objetividad no existe, la tesis científica es una excusa, las preconfiguraciones técnicas por sí solas no sirven. La obra es una realización artística (aplauso solitario en la sala “muzderauli”). El cine documental es pura improvisación. Lo que enfrentamos es el imprevisto. El misterio documental se puede resumir, tenemos que pensar en la grandeza de la sencillez. La vida está llena de actos dramáticos, fragmentos de vida, niños jugando, una señora camina deprimida,  un hombre corre para alcanzar un buz, obras de teatro microscópicas. Sin embargo y de manera independiente a los dispositivos que encontremos o aparezcan, hay tres aspectos que son naturales en un documental: un viaje, un personaje, un hecho.

El personaje

Luego del dispositivo tenemos a un “quién” imaginario, el personaje de la narrativa ideal, en la película ideal “sólo como ejercicio”. Cuesta mucho encontrar al personaje, al cual no se le debe pagar, debe estar personalmente interesado en contar su historia. El director debe estar al servicio del personaje. Ganar su confianza, con nobleza, con sentido artístico, serio, informado. Los personajes son los portavoces de la idea y muchas veces superan la idea. Son portadores de la emoción y sin emoción no hay relato que funcione.

La entrevista

El documental recupera el tiempo de la vida, el documental necesita una intervención suave, silenciosa, cautelosa, sensible, necesita que la mente se deshaga de lo fútil. La entrevista se va transformando poco a poco en una secuencia, en un lenguaje cinematográfico. El tiempo comienza a entrar en la entrevista reflexionando, tensionando, corrigiendo. Es un diálogo espiral sin término, porque es humano. El documental es un género muy fraccionado, entonces existe la necesidad de concretar ciertos planos, secuencias, pero también hay que dejar trabajar al equipo y eso lo he aprendido con los años. En la entrevista se debe estimular al entrevistado presentándole elementos, lugares, situaciones que lo inciten a hablar solo y emocionalmente. Los momentos muertos, las vacilaciones, los silencios son tan valiosos como todo lo que se puede llegar a hablar. Lo que diferencia la entrevista en cine documental con la entrevista televisiva es la temporalidad, los matices llenos de dudas, de inseguridad. Cuando se tiene falso pudor se estropea todo. No hay que tener falsa vergüenza de preguntar en espiral, acercándote al golpe final, midiéndose sin omitir la profundidad, sino que ir dando con ella a cada palabra.

El montaje

la vida supera al montaje. Está tan llena de sucesos maravillosos que al cortar se produce una especie de frustración. Ya que hay momentos en que el montaje es incapaz de actuar como mecanismo de síntesis. Luego de montar una secuencia yo grabo enseguida la voz en off y musicalizo provisionalmente. La musicalización resulta mejor sólo con algún instrumento particular, música de cámara, algún piano, un clarinete, un sonido suave.

La acción

La acción dinamiza, atrae, alegra. Hay que hacer todo lo posible para que halla acción sin que ésta sea artificial, la acción tiene que ser natural. También está la acción de la palabra. Cuando hay demasiada carga en la voz ésta equivale a la acción. Lo que transforma la palabra en acción es la intensidad de lo que se dice. El acto de la acción total lleva a lo increíble. El cine no es para los teóricos, los academicistas, por eso debemos filmar el primer aplauso, aproximándose al corazón del tema donde se detecta el principio de la acción. La brújula del documental no es la objetividad sino la credibilidad.

La descripción

La vida está llena de pequeños átomos dramáticos. Hay que descubrir esos átomos para filmarlos. Mirar, escuchar, explorar la realidad tal como es. El documental funciona con pequeños hechos cotidianos maravillosos. Momentos químicamente puros que nos describen la vida. Al describir se abre un espacio para insuflar ese aire con elementos propios de la visión del realizador. Los reflejos del propio cineasta le indican cómo debe hacerlo. La acción es fácil de detectar a diferencia de la descripción donde la naturaleza está quieta. Con la descripción se puede llegar muy lejos artísticamente, se puede llegar a la abstracción. Al filmar contemplativamente hacemos entrar el tiempo, capturamos la realidad en su dimensión más cercana. Es una forma de recuperar la vida, que nos saca de la falsa representación del tiempo que nos impone la publicidad, la tv, la concepción vertiginosa que nos bombardea con estímulos que nos anulan degradándonos.

Cine Documental político

El documental es un derecho del ciudadano, muchas veces trasciende al cine por ser un medio de indignación. Es este país hay un pacto de silencio en los medios respecto a los conflictos políticos. Los que tienen memoria viven el frágil momento presente, los que no tienen memoria no viven en ninguna parte. La mejor buena distancia es ser un exiliado, un emigrado, un viajante. Eso sin duda ha influenciado mi manera de hacer cine.

La nostalgia de la luz

Trabajé 4 años en el proyecto, me inspiré en el desierto de Atacama por sus vestigios de ruinas precolombinas, sus observatorios astronómicos. Pensé que era un buen lugar para realizar una película. Para mí tenía muchos puntos en común con el tema de los detenidos desaparecidos. Estuve dando vueltas buscando a mis personajes, busqué la analogía entre los personajes, por ejemplo, si Vicky (uno de los personajes entrevistados) no hubiese dicho “ojalá existiera un telescopio que apuntara hacia abajo” no existiría película, esta frase vino a confirmar mi puesta en escena, las secuencias que tenía como ideas, las analogías como la de los restos de asteroides. En un comienzo hago una larga descripción mostrando un telescopio, una casa que no es realmente mi casa, pero de la cual me apropié esperando que sirviera para remitirme a mi infancia. El desierto lo he asociado a ese polvo mágico que utilicé entre escenas y que descubrí casualmente lanzando un poco de tierra reflejada con un haz de luz proveniente de un vitral, este procedimiento espontáneo dejó heridas con llagas ensangrentadas en nuestras manos porque tenía fragmentos de vidrio, que son finalmente los cristales mágicos que vemos entre plano y plano. Yo diría que los aspectos claves para entender y construir mi propuesta son: Que no existe el presente, por tanto, el observatorio es una puerta hacia el pasado. Entramos al pasado que es igual a la historia por medio del dispositivo narrativo “la astronomía” y llegamos al tema central “los detenidos desaparecidos” dando un vuelco sutilmente congruente e inesperado a la narrativa.

La batalla de chile

Respecto a la batalla de chile, lamento no haber filmado la vida cotidiana (23 x 3 hrs. film), porque no teníamos el material suficiente, esto le hubiese dado más contexto.

Palabras finales

Cuando pequeño llevaba conmigo canicas que hoy guardo con cariño. Cada vez que observo aquellas bolitas me doy cuenta que de niño guardaba el universo en mis bolsillos.

…Para hacer cine no hay receta, filmen lo que quieran.

Marioneta de Papel

Fernando Forero

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Entrevista

Fernando Forero

by muzderauli

02 febrero 2011, Viña del mar, Chile

 

 

- Háblanos de tu infancia  y de qué manera esa niñez influye en la manifestación de tu arte.

Tuve una infancia con mucha libertad y extremadamente rica en experiencias creativas lúdicas que ayudaron a que mi cabeza siempre estuviese inclinada por el lado de lo experimental, por decirlo de algún modo. Tuve la fortuna de pertenecer a un grupo de amigos  los cuales estaban constantemente buscando nuevos modos de entretención más allá de la tv o los videojuegos. Con este grupo de amigos realizamos proyectos de cortometrajes, improvisadas bandas de rock, estudios de deporte, circos, juegos de estrategia bélica, y muchas más actividades comandadas y gestionadas por nosotros mismos; estás actividades las realizamos entre el periodo de los 6 a los 14 años. En mi casa tuve a mi derredor personas creativas y ligadas a la arquitectura, el dibujo y las manualidades. Y yo, personalmente siempre fui un soñador, un enamorado de lo visual que sabia desde niño que quería dedicarse a la producción de lo visual ya que me imaginaba a mi mismo diseñando las revistas que a mis manos llegaban, especialmente algunas culturales que mi padre coleccionaba, y algunas de cómic europeo y nortemaricano que un querido pariente ilustrador conseguía. Cuando era niño me gustaba también mirar logos de las compañías impresas en las páginas de los directorios telefónicos.

Ahora que lo veo mi pasado desde mi edad actual, pienso que cada vivencia que tuve fue una suerte de incubadero para apoyar la creatividad.

– Has crecido en Colombia junto a los estragos de la violencia armada, política, económica, como sucede en muchos lugares del mundo. Luego llegas a Polonia y nace la experiencia de convertirte en un observador de la realidad de tu país. Cómo reinterpretas tu cultura y cual es la importancia de los medios de comunicación en la formación de la opinión social de los Colombianos, que según has expresado en tu proyecto visual “Colombia”, es en muchos casos pobre, distorsionada o inexistente.

La violencia armada es un tema que pesa sobre cada país, y la historia de mundo está teñida de demasiada sangre. Antes veía de manera escéptica la vida, y entendía el proceso histórico del mundo como una  simple sucesión de violencias con intervalos de aparente calma. En Colombia la parte de los problemas de violencia se deben a las condiciones políticas y económicas impuestas por nuestros gobernantes, y avaladas por la escasa educación del grueso de la población. Los medios masivos han hecho con sus voces que mi país sea percibido como un lugar inapacible, pobre y colmado de productores de drogas. Puedo decir que yo, y muchas personas que conozco nunca nos han tocado directamente estas problemáticas, simplemente las hemos visto por tv, o escuchado por radio, pero la verdad es que he tenido la fortuna de vivir en condiciones de calma, y no por provenir de una familia adinerada, pues mi padre fue un honrado y honorable trabajador el cual dio a sus 6 hijos cuanto pudo sin que faltara lo necesario: comida, techo, educación y bellos ejemplos de vida.

Soy sensible a los problemas de los otros, y lo que me preocupa por sobretodo es la falta de acceso gratuito a la educación que sufre mi país, qué sé, es el gran tapón que detiene el desarrollo de Colombia. No puedo callar o negar que mi país sufre por temas bélicos, y que muchas personas mueren a diario por falta de oportunidades de mejora en su calidad de vida, pero sé también que en medio de muchas cosas hay más buenas personas que personas malas, y que el calor de la gente de mi país hace que los extranjeros quieran quedarse a vivir en nuestra hermosa tierra.

Una vez hube pisado suelo extranjero me dí cuenta que la educación en Europa es centroeuropea, es decir, que el aprendizaje promedio de los estudiantes esta basado en el conocimiento de lo que sucede dentro del territorio europeo, y que es difícil que ellos conozcan cosas fuera de este limite. Por ejemplo muchas personas con que me he encontrado no saben siquiera dónde se ubica geográficamente Colombia, o que idioma hablamos. Con que de alguna manera ello despertó en mi la idea de dar a conocer mi país, por algunas de las muchas cosas hermosa que posee, mostrándolo desde el punto de vista de mi labor, es decir desde el diseño gráfico.

- Dices que en el pasado, llevabas las ilustraciones en los cuadernos de escritura, como si fuese un intento de desprendimiento emocional. En ellos plasmabas autorretratos o autorepresentaciones que servían para desgastar tus tristes estados de ánimo. Cómo se complementan actualmente tus pensamientos escritos con tus ilustraciones tipográficas. En ese intento por fundir la reflexión íntima y la emocionalidad plástica.

Los cuadernos que poseo y que creo son una constante en mi vida; estoy ligado a ellos por el amor a la imagen, por necesidad estética de expresión de lo que en mi se da como “emoción”, como “pensamiento” y como “acontecimiento” pues ello es mi motor de creación.

Para mi desde muy niño la “palabra” esta ligada siempre a la imagen, pues una palabra (bien sea escuchada o leída) genera siempre una imagen mental, y pienso que en eso esta la clave de la “lectura”. Pero en mi quehacer diario con mis libretas de dibujo lo que me lleva a gestar imágenes con palabras es la condición misma de la palabra escrita de ser “imagen” y “dibujo” también, entonces cada trazo de cada letra con su rasgo propio adquiere un carácter propio cuando se combina en un diseño convirtiéndose finalmente en una emoción también, o en un motor de emociones para el ojo si también se quiere ver desde este lado.
http://behance.vo.llnwd.net/profiles5/142807/projects/391806/1428071263506861.jpgWeronika Kwiatkowska

-De qué manera influye la presencia de tu esposa Weronika Kwiatkowska en tu sensualismo estético. Para ella realizaste un cuaderno llamado “sueños” que contiene hermosas piezas como “She grow in the garden of my dreams”. Cuéntanos cómo ésta bella mujer encarna tu retrospectiva mítica, romántica y visceral.

Weronika es mi todo, es mi motivo y motivante, es la esencia de mi vida que le da significado a esa misma palabra “vida”. Con ella mi vida ha adquirido el sentido que nunca antes tuvo. Por ello todo cuanto pueda hacer esta dedicado a ella. Pero ella no encarna mis visiones míticas y no es el ideal de mujer que yo anhelaba tener.  A ella la amo por lo que es, no por la idea que hubiese podido yo tener antes de conocerla respecto a la idea de la mujer “ideal”. Cuando conocí a Weronika, yo ya había depuesto las armas del amor, y estaba entregado a mi condición de solitario confeso. Yo no quería nada del amor, y no creía en el amor ya… con que justo cuando no esperaba nada, ella vino a iluminar mi corazón y a darle alas a mi vida y mi sentir.

Es cierto que antes de ella también ame, pero nunca antes me había entregado por completo a alguien desde muchos puntos de vista. Y justo por ella deje mi pasado atrás, mis tristezas, mis amigos, mi país, mi familia y sólo por la grata idea de hacerme viejo junto a ella.

- Confiesas sentirte muy compenetrado con el trabajo del filosofo Rumano E.M. Cioran. ¿Hay alguna particularidad en su obra que se funda con tu visión artística?

No puedo decirlo, si fuese fiel al pensamiento cioraniano, seguro no habría hecho nada con mis aptitudes para con la imagen. Lo que yo muestro en mi trabajo es mi sentir, y en ello si hay un paralelismo, pues yo hago un registro de mis emociones de manera descarnada.

- Has intentado trabajar imágenes que nos hablen melancólicamente de cosas y objetos que estén ligados con la derrota y la tristeza. A la vez, llevas un cuaderno F.I.N. (fruslerías, imágenes y nada) con el deseo de poder dibujar cualquier cosa sin necesidad de que hable directamente de tu malestar emocional. Cómo resuelves ese conflicto interno.

Mi primer cuaderno de ilustraciones fue creado en la necesidad de descargar mis derrotas emocionales, y en él hice un registro por medio de palabras e ilustraciones que hablaban directamente de esa desazón, de mi demolición interior. Con el tiempo la melancolía persistió por largos y pesados años, en todo caso nunca deje de seguir creando, sólo que desde un punto de vista un poco diferente, más por el placer de dibujar que por la necesidad de descargar mi desanimo. Aunque siempre fue evidente que las cosas que realizaba estaban manchadas por mi oscura bilis.

- El impulso del termino “Collage” (como una metáfora de la combinación de elementos dispares en un cuadro singular) en tu caso mezclando técnicas mixtas (dibujo, pintura, tipografía, tecnología digital, etc.) es, a tu parecer, algo inherente al arte contemporáneo de nuestra era global o una respuesta inventiva a un mundo propio y atemporal.

El collage en mi trabajo es una repuesta, no un motivante; es algo que sale de mí, y que me ayuda a crear metáforas, a enriquecer la imagen misma. Me gustan la teoría visual, la semiótica, la retórica de la imagen y los usos que es posible darle a la imagen para que sea enigmática, metafórica.

En todo caso, todo cuanto hago es visceral, casi instintivo y ello esta también lo rico del crear, de experimentar.

Personalmente siento un gusto extraño por lo viejo, por la historia y lo que representa historia, pero desde el punto de vista personal e individual. Me llaman la atención las historias particulares más que las globales, por ello me gustan, los escritos a mano, las estampillas y las cartas, la comunicación personal que existía antes cuando no teníamos e-mail. Por ello utilizo estos elementos en muchos de mis trabajos, pues ello me permite humanizar mucho mi trabajo digital.

- Tu trabajo está marcado por la creación de seres hilarantes, criaturas fantásticas, representaciones intimas que en algunos casos llamas “moradores”. Cómo emerge este arte fantástico, cómo toman cuerpo singular para quedarse en tus cuadernos adoptando nombres y personalidades distintas.

Generalmente cuando dibujo para mi mismo no tengo clara una idea preconcebida de qué hacer. Por ello empiezo haciendo unas líneas vagas en las hojas blancas de mis cuadernos; de allí mis ojos y mi cerebro empiezan a configurar imágenes que mi mamo va detallando poco a poco hasta cuando considero que he terminado.

Generalmente lo que aparecen son seres con fisonomías y anatomías propias, son personajes con carácter propio, casi con historia propia; uno bien pude verlos y empezar a imaginar historias en derredor a ellos. Por ello cuando finalizo considero que mis personajes son seres que habitan el imperio de mis ideas y que vienen a la luz cada vez que tomo el lápiz.

Desde el punto de vista crítico sé que mi trabajo de personajes se da por que nunca he estudiado dibujo, y que adolezco de un serio conocimiento de la anatomía, por ello mis personajes tienen su propia concreción anatómica impulsada por mis caprichos estéticos. Con que mi cabeza ha sabido convertir muchas de mis falencias en virtudes (si es válido y/o prudente decirlo).

- “Red Rain” es la propuesta para la portada de un cómic que finalmente nunca desarrollaste.  ¿Llegaremos a ver finalizado ese trabajo?

Para mi la creación de cómics demanda tiempo y una empatía especial con lo que creas. Pues si tienen uno o más personaje centrales en tus historias tienes que luchar cuartilla tras cuartilla, cuadro tras cuadro intentando dibujar el mismo personaje en disímiles situaciones, encuadres y posiciones, y la verdad es muy difícil que me entregue de esta manera con los caracteres y personajes que creo. Yo veo mis personajes más como ilustración, como historia dentro de una misma escena.

En general creo que no voy a desarrollar el cómic “Red Rain” por ahora, ya que estoy concentrado en otros asuntos que demandan mucho de mi atención.

- Háblanos sobre el viaje imaginario de las imágenes y los pequeños milagros del día a día.

Los pequeños milagros de cada día son eso, simples cosas de las cuales podemos estar agradecidos con la vida. Yo me alegro en las mañanas al despertar y ver a mi esposa; de sentir el placer que me da la ducha en las mañanas; de poder tener algo que comer cada día en la mañana la tarde y la noche; del color de los paisajes en los cambios de estación aquí en Polonia; de haber tenido unos padres ejemplares que aunque no estén más entre nosotros sé que me acompañan diariamente; de tener unos hermanos solidarios y capaces; de escuchar disímiles sonidos y músicas el día entero; del placer de leer libros y ver películas; de ver la bondad de las personas; de la sonrisa cuando dices gracias; cuando te dicen gracias…. En fin, cada día hay algo nuevo por lo cual decirle a la vida gracias, de decirle a las personas en derredor nuestro “gracias” por la compañía el ejemplo, el amor, el consejo, la preocupación, el bienestar, el buen trato y muchas cosas más.

Gracias a cada emoción que tengo también tengo motivos para crear, y creo aun sin tener motivos o imaginación, y eso es también una suerte de milagro.

Dinos, qué es el sueño para Fernando Forero.

El sueño desde el punto de vista constructivo es la proyección de lo que deseamos se haga realidad. Pero los sueños son nada sin trabajo, sin constancia, sin lucha y sin entrega. Los sueños son un derrotero, y de nosotros depende en gran medida que se hagan realidad o no.

Por otro lado los sueños son nada cuando no hacemos nada sino solamente escucharlos. Los sueños son nada sin son egoístas y sólo pretenden el bienestar de un solo individuo sobre el dolor de los de los demás seres.

A partir de que encontré a Weronika aprendí que es posible soñar razonable y objetivamente y que en esos sueños también hay pequeños milagros que le dan valores a nuestra historia personal.

 

Marioneta de Papel

Sergey Tyukanov

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Interview

Sergey Tyukanov

by muzderauli

14 December 2010, Viña del mar, Chile


You ‘re born in Russia in 1955, which preserved childhood memories as inspiration.

-My childhood years passed on the island Sakhalin and the only window to the reality that I had were children’s illustrated books. Illustrations became my fairy tale world which, although I have grown up, I do not want to depart with even today. Television was not available, the books had been difficult to get. I loved going to the library and view pictures in books. My child’s inner world was shaped by the illustrations. Sound of the sea was also an impetus for further fantasy and brought a spirit of distant countries with amazing animals and plants. I felt that the tale was somewhere there, somewhere close by. I still keep this child’s enthusiasm and expectations of a miracle inside of me.

What aspect of your life triggers or promotes creativity.

-The process of my art is based on the interest and surprise. What emotions would you experience if it landed on another planet? It is so interesting, how its people live, what they eat, how they move, what their architecture looks like, what kind of feelings they experience. Thus, creativity is like a journey into another world. Laws of art, composition, and skill are secondary. The world of my imagination is the driving force of creativity. I never force myself to work; maybe that’s why I do not have a lot of works. Creativity starts from the inside, and I materialize my inner world with the help of pencils and paints. When I start working, I can only see the big picture, but I do not see specific objects and their parts. I feel an energy substance, first, as if someone far away is calling me, and I follow the voice. Gradually everything becomes sharper, and I start seeing the outlines, looming objects and final images are slowly but steadily are being shaped. I always wonder what the outcome of this process will be, and what final quality of the picture I will get. And the more I listen to myself, my inner consciousness, the more truthfully the job is done, and the happier I become.

How did you start in the drawing, illustration, painting.

-Up to 20 years, I had not held a pencil in my hands. The place I lived had no special clubs and studios for painting. We did not even have an art teacher at school. A desire to draw was great, but everyone said that it was necessary to start drawing in early childhood. After graduation and military service at age of 20 I enrolled to study at the Architectural Department, where I first began going to these drawing lessons. Even the simplest drawing tasks such as: cones, balls, and plaster casts captured me completely, and I knew it was mine; I want to do this all my life. But the program activities in the graphic department were short and not enough for me ,so all my free time I spent in libraries, studying the history of art, etchings, paintings, drawings. There I for the first time I saw books with reproductions of Picasso, Modigliani, Matisse, books of Russian modernism. When I start to draw something, I always try to imagine a living organism. I painted the factory and was imagining it as a large animal that breathes through chimneys and produces smoke. But many colleagues and viewers did not understand my imagery at the time. From that time on I have kept the need to look at the world through images.

Death is this so hilarious in your work. How to solve this conflict internally.

-By nature I am an optimist and I try to relate all the things in my life and most of what I do with humor. Even serious things I try to pass in my mind through the prism of humor. Until about 30 years I was an atheist, like almost everyone in our country. I thought a lot about life and death, and read smart books (talking with like-minded people and arguing with opponents) and I have formed my attitude to the process of life and death. I believe in reincarnation, I believe that had been born before, otherwise I cannot explain the feeling of intuition, which I attribute to the experience of previous lives, as well as the phenomenon of deja vu. Death is in the culture of our civilization – it is an important and mysterious event. But our mentality is that we, people fear death, because we think that it’s over, that we will lose everything material. But I realized that death happens only to our physical body and the soul continues its way, that life is infinite. Everything became much clearer to me, and the meaning of death has acquired a different concept. I got the joy of life itself, the desire for self-improvement, and I began to fight with the biggest sin, selfishness.

You are associated with Arcimboldo, Bosch. In what way your work is connected with that vision and how you separate yourself exploring your own style.

-When I first saw the picture of Bosch, I had a feeling of being sucked into the funnel, which consumed me deeper and deeper. It seems to me that the time that Bosch lived at I understand and have a connection with it. I am very interested in the person of Bosch. I’ve always wondered how he solves the problems of morality in his paintings, and about his notions of good and evil. There exist not so many artists who have written multi-figured compositions. I am interested in his imagery, from where it came. It is interesting to me how he distributed the plane, how he applied color. His works are puzzles and stories for me. I like the stories in pictures. I also love telling stories myself. I’m trying to get away from didacticism that is present in Bosch’s works, and what helps me to deal with it is the sense of humor. And if Arcimboldo and his work have not been existent, then they would have to be invented. Because his method of the dual vision of the world is very close to mine. I try to imagine one object in the variety of forms. I follow the flight of imagination, and it allows me to extend the perception of an object.

In your work, the characters have a mythic presence; archetypal, ontological embody good or evil. How to influence the dispute of that duality in your personal vision.

-The concepts of good and evil are united. In every person, object, phenomenon exist good and evil, black and white, electrons and protons. Our world is arranged in such a way that things fight with each other and at the same time they co-exist and cannot be without each other. But nothing and no one will ever win the opposite, because then the balance will be upset. The moment of balance is always very short, and we mostly live swinging to the opposites. I am, therefore, interested in the topic of the internal conflict, and I try to express it in a concrete manner and imagery. Buddha talked about the middle way, I would also like to come to equilibrium in life, but I’m not perfect. It is hard to be in this calm state, from which even the slightest breeze can knock out. Equilibrium also means freeze, stop, but for it is important to have energy of constant movement, impulsiveness in my artworks. Maybe that’s why in my multi-figure compositions there is a lot of struggle between good and evil, life and death – the struggle of opposites.

If you had to talk to a child for your work. How do you introduce the fantasy world?

-All of us are children, just of different ages. We all want something surprising, we want wonder and magic. Fantasy world is a magical land where all dreams come true and we are both spectators and participants of this wonderful world. World where our wishes and miracles can come true. And this world is a good world, where one can fulfill their dreams. And when you materialize dreams into the world of music, or architecture, or literature or fine arts, this world becomes huge, and you can invite other people there.

Tell us about the dream.

-My dream is to live in a world where everybody is happy and sincere, where all are creative people, where dreams can be translated into reality, where the goodness comes out of dignity and not of weakness, where creativity breeds creativity. If a person is happy and positively charged, their dream will be bright and cheerful.

Marioneta de Papel

Sergey Tyukanov Museum of Art

muzderauli

Más de Mar

I

Una gran sequía es tu voz. Umbral de una cuerda es el pórtico de tu voz. Ahí caminan palabras sin soga hacia un fondo en inminente caída. A los pies de un verdugo, lejos de la incredulidad: tus ojos, antes colmados de lívida y sensual impresión. Óvalos donde duermes verdaderamente. Criatura telepática, te afiebraste de idiomas embriagantes, aún inmune a la turbación o el espanto. Yaces en tus sílabas, en un prolongado silencio como virtud y entras al mundo ancho de las historias imposibles, con voluptuosidad, sin remiendos de pequeñez. Amaestrada por un único deseo, mi carne.

No has creído en nada. Por tanto, no me queda más que declarar tu extinción sin remedio. Cuando la noche arroja tigres que despedazan los sueños. Sé finalmente quien eres: vacío. La última palabra para ti es la imposibilidad. Aún en el silencio de esos labios, retumba la voz. En la abstracción de tu desnudez, en el rapto, visualizo la voz, ausente en la contemplación de tus labios, tus labios en tu voz.

II

La violencia de los cuerpos tras una nube candente en opulencia me acedia. Mártires trágicas al fondo de un espejo giratorio se fascinan a expensas de grandes líneas. Diálogos quemantes de estatuas desconsoladas, con  expresión desafiante de gran espectáculo.

La tierra se abre por encima de la determinación. Un  montaje espléndido e inusual se levanta entre dardos de manos amantes, lenguas y espadas. A orillas de un reino teatral: la fornicación masiva, gentes recostadas esperando el resultado de la ocupación fantástica. Árboles se incendian empujando al flagelo la palabra. Épica enfermedad que se lamenta sucumbiendo en la piel.

III

Violento el miedo de las mentes y de las vírgenes sus delicias. Letras prescritas que hago mías.  En pleno conflicto de la identidad aparente, pienso qué quedará de mí, si solo sé resistir.

Vengo de lejos y de lejos vengo cantando. Aquí te encontré hermano escondido donde no  habita la roca ni el árbol, el amor no lo he encontrado así como quisiera hallarlo. Newén que planeas los confines de la cordillera, hazte carne, tierra, sangre.

 

 

muzderauli

Apocalípticas del sueño

Género Cinematográfico Chileno

Mitología Histórica del Chile profundo

Retazos para la reconstrucción de la identidad Chilena

Breve análisis cinematográfico

by muzderauli


 

Si bien, el cine Chileno previo (años 30 en adelante) viene dibujando los elementos idiosincráticos de un país emergente, con su fenomenología interna (la denuncia cruda de la marginalidad del campesinado, el conflicto campo-ciudad, el fenómeno de la modernidad (Largo Viaje, Morir un poco, Valparaíso mi amor) No hay una lectura abiertamente política, mas bien, matices de una visión crítica que absorben el clima  de las coyunturas sociales y culturales de la época, solapadas en una narrativa cinematográfica. En este sentido, El Chacal de Nahueltoro, es el film que incorpora, de mejor manera los elementos de denuncia del cine previo y desarrolla con una intencionalidad más clara la conflictividad social, conjugando de forma magistral el estudio y el análisis a la realidad país, retratando a una sociedad compleja. Por medio de la confirmación de un personaje iconográfico de la cultura popular Chilena: “El huacho pelao”, que ya se venía insinuando creciendo y resolviendo visualmente en el cine criollo anterior y que en la figura de  “el chacal” es llevado al clima de su madurez e indefensión.

El problema de la Identidad

Entre toda la puesta en escena rural y costumbrista de la época es la imagen del “huacho pelao” el ser visceral de un chile profundo que mejor representa al arquetipo identitario popular, cuyo alcance sociológico enmarca la radicalidad de un conflicto aún vigente. El conflicto de la identidad, problemática del imaginario social, cuya necesidad exploratoria busca dar necesariamente con los verdaderos cimientos de una cultura y que nos muestra, aparte de las pellejerías de la vida, a un ser social descarnado. Es el huacho pelao un ser arraigado en la matriz de la madre patria; es el legado del huacho que el mismo Ohiggins “padre de la patria” heredará al imaginario de un país. Una sociedad que anhela dar ciertamente con la estructura definitiva de una psicología colectiva, más certera a la construida ideológicamente por un Estado.

El Huacho Pelao

En el Chile de la migración campo ciudad. Se levanta un mundo premoderno que pare a otro hijo de su tiempo: la modernidad. Es la ciudad protagonista del nuevo contexto, el inicio de una nueva crisis. Un clima post bélico, pero con un enfrentamiento no menos violento: la lucha ideológica, la guerra fría, la conspiración de los gobiernos. Un mundo bipolar. La sensibilidad trágica está presente en las figuras de Monroe, Kennedy, Martín Luther King. Los jóvenes lanzan sus consignas: Sean realistas, pidan lo imposible”. En medio de esto: un Chile pastoril, bucólico, arcaico. Que se incorpora a la modernidad  por medio de la imagen en movimiento (TV) y una pelota de fútbol (mundial 62`). Alessandri delega la responsabilidad de las comunicaciones a la universidad, se crea TVN en el año 69´. Frei pasea por Isla Wilson, apoyado por la derecha con un histórico 56,08%, para evitar el asenso de Allende. En las fuerzas armadas los marinos hacen cambio de bandera desfilando con la mano alzada adhiriendo al fascismo (material de restauración 16mm, cineteca del museo naval). Chile alcanza los 7 millones de habitantes, 24% en zonas rurales, latifundio y anuncio de reforma agraria, 21% de la población vive en extrema pobreza, la esperanza de vida alcanza los 59 años en las mujeres, 54 en los hombres, taza de mortalidad infantil de 125 x 1000 nacidos, 23% de escolaridad media, 55% de escolaridad primaria. Este es el Chile de la nueva cinematografía. Un país en vía de revolución, convulsionado. Se acrecienta el distanciamiento masivo hacia la urbe. Se instalan las poblaciones callampa que generan una serie de trastornos en la vida urbana. Se produce un conflicto entre los aires de modernidad y la regresión instintiva al pasado. Esta regresión al chile arcaico coincide con la crónica policial y la visión documental, finalmente un trabajo de culto: “Chacal de Nahueltoro”  (el monstruo interno de la sociedad chilena)  impacta en las expectativas del sujeto promedio que ha pasado de la siesta colonial a un país en vías de industrialización. La democracia clásica sobrevive en los aires de la modernidad y se refleja en la cinematografía. Ninguna película apela aún al sesgo de algún sector político, sin embargo hay denuncia, el lastre del pasado rural. Todos los aspectos fantasmagóricos y del realismo mágico coinciden con el neorrealismo italiano, dejando atrás el expresionismo alemán. A nivel de guión todos los Films de este período hablan de la marginalidad, la pobreza interna, constitutiva, la vida y su dificultad. La dureza del diario vivir y a diferencia del material de archivo histórico patrimonial. Estas películas han sobrevivido estrictamente como lenguaje cinematográfico que subyace a las propias imágenes. Dejando una huella concreta de la estética y la historia de una identidad país que intentamos construir indefectiblemente. Para ello, una imagen iconográfica:  “Jorge del Carmen Valenzuela, El Chacal. Un huacho crecido con escarnio, dureza, ignorancia. Lleva en su carne el crimen y el castigo de un ser popular miserable y verídico.

Caracterizar a un personaje infantil con toda la carga cultural, de un tiempo histórico, de una sociedad, es siempre un acierto de poderosa profundidad emotiva. El huacho pelao, encarna el deseo sublimado, el inconciente colectivo que vive  precoz en el imaginario de un pueblo. Un paria, sin padre ni patria, que no sea sino el deseo libertario y la identificación con una causa. Un ser nacido en las patas de los caballos, abajo, en la pobreza más pobre, destinado a sufrir. Pero que muestra arrojo, valor y picardía. El huacho pelao es el reflejo de una sociedad chilena que se busca en el tiempo y va atrás, en esa búsqueda sin padre, encontrando sino la tierra, el sueño de una patria y la justicia social. El huacho pelao es un ser de infancia trágica y desgarrada por las circunstancias. El mestizo pobre que aspira a idealismo y que finalmente logra tomar la historia por el mango. Se hace historia en la lucha, siguiendo el ejemplo de los mártires. Un ser desarraigado. Ese que se pregunta definitivamente ¿Quién soy? ¿Quién he de ser? En la valentía de enfrentar el devenir y construir sentido. Es la imagen del huacho pelao, la esencialidad de un pasado fundacional, ese Chile mítico que reconstruye su imaginario identitario luego de la masacre, el pillaje, el colonialismo o la dictadura. Es el niño un reflejo psíquico, una pulsión de la esperanza, la lucha o el futuro. El niño pobre que encarna la exclusión y la esencialidad de una identidad conflictiva; con más tierra aún en los huesos de los antepasados. Sin banderas previas, ni escudos de armas y plegarias de santo. Un chile multicultural pendiente, arrinconado por los genocidas del poder. Es la pobreza del huacho pelao, igual a la pobreza simple de la gente de la tierra. Llena de necesidad por la identificación, por la justicia social. Un retrato de la  memoria histórica, un anacronismo en la arqueología de una identidad país.

(fragmento)


Marioneta de Papel


 

muzderauli

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papel ingres black 50-70 cm, lápiz pastel pitt b8, serie “mimética”


Ambar


¿Quién eres?

la estrella diurna

Luthien, hija del crepúsculo,

el secreto de la luz, la pintura.

¿Quién eres?

la eterna pregunta

Astarte, de pie sobre un león,

flor de carne, de lo tangible en la materia o eva submarina.

¿Quién eres?

Ofelia, nacida de pronto en seda;

apareces para desvanecerte

inpalpable en el imaginario o la fantasía.

¿Quién eres?

Minerva, caes de tu cumbre

al abismo de la locura inesperada;

precipitándote en océanos

te abandonas en mi corriente vorágine.

¿Quién eres?

Victoria, luchando con lo real

muy lejos, en el escarnio renegado;

aguijón infinito clavado insasiable por siempre o la inocente sinceridad.

¿Quién eres?

Annalibera, reconstituyo lo íntegro de tu belleza más bella

y resplandecen en el fondo,

tus ojos de estela luminosa,

como espumas que se disipan con delicada sencillez.


Líbido


Lates donde el trazo te abandona

Arrobada en la sombra

Como imagen de carne en la materia

Que se contrae o se disipa

Humana, carente de espíritu

Luz de sal brillante

Con opacos grises

Toques de una dimensión oscura

Inescrutable cristal observante

De roca pulida, erosionada

Con ojos que queman

Incendiando ídolos

En la guerra sostenedora

De un vacío

Más desnuda o congelada en la forma

Con un río entre las piernas

Esencia de un roce

Mi tacto imaginado.


muzderauli

Apocalipticas del sueño



Mimética es una serie de dibujos que exploran el estudio al desnudo femenino y que configuran un total de 8 piezas, incluidas en el libro “Apocalípticas del Sueño”. Ilustrando la prosa, el diálogo y el teatro desde su lenguaje propio.

Diluvio

Diluvio
Joaquin Cociña
Cristobal León
Niles Atallah
Interview by prisma TV
Trascription by muzderauli

 

Ustedes que tienen un back ground, que provienen de las artes plasticas, porqué elgieron el audiovisual, la animation y la tecnica del stop motion.

Joaquin: Yo tenia muchas ganas de hacer video y habia hecho algunas pruebas que no me gustaron, pero que me ayudaron a entender el audiovisual, la gráfica y la visualidad de manera mucho mas fluida

Cuentanos de lucia luis y el lobo

Joaquin: De partida lucia y luis son dos animaciones, son dos videos separados que son como una serie en realidad, pero no son una unidad, una obra, son dos, distintas. Ambos videos, ambas animaciones están hechas por Cristobal , Niles y por mi y están hechas en stop motion

Nile: La idea de los videos era trabajar de una forma muy cruda, muy burda con stop motion porque muchas veces se trabaja con mucho control, con una luz muy particular, asegurando que el movimiento se vea muy fluido etc. Y nosotros tuvimos una propuesta de trabajar de una amnera cruda y con recursos como carbon, tierra, con luz natural, con un lugar que cambiaba todo el tiempo, patiando cosas, no fijandonos mucho si quedaba fluido o no y por eso tiene esa textura.

Joaquin: Nosotros queriamos usar materiales que se transformaran y para eso usamos el stop motion que es muy bueno porque tu puedes ver que cualquier proceso minimo que sea tomo un sentido vital, por lo tanto ver una masa de carbón aparecer en una pared o ver un sillón desarmandose toma mucho sentido visual y solamente era posible verlo con las técnicas que nosotros queríamos verlo, con stop motion.

 



Marioneta de Papel

 

 

muzderauli

Cauzulor

I

Reclamo la pertenencia que se enfrenta, en distintas eras, a los vientos conquistadores de las direcciones del mar. Contemplativos bosques sobrevivientes de un viaje inseguro. A un costado del ciprés, el aromo, el Arrayán. Una palabra cae de otro árbol, cuando el viento nace, cuando el viento crece. ¿Acaso puede un pueblo sobrevivir sin la palabra? Habla Oh! el gran viento Ckuri, legados que median chamanes y magos, para interpelar a los sabedores reyes y hombres libres de las naciones ¿En qué términos miden la victoria o la derrota? Si se despliegan lenguas multicolor que todo condensan, todo disipan.

Cómo te persuado de la magnitud natural, pequeño escucha. Si la ilusión aparenta formas fantásticas. Otro radio es la intensidad de nuestro canto, cuando florece sabia de tierra viva.

Reconoce a tiempo el terror de quienes niegan la libertad bajo supuestos teóricos y consideraciones políticas. No hay calendario de liberación posible que sea ajeno a la voluntad de un acto intrínseco. Guarda de los enemigos que sofocan el pulso de las palabras. Desvirtuando con alegatos y encono la fascinación, porque  humanamente se provoca un hambre feroz de necesidad, ritualística y abandono. Levanta tu agudeza, tu intuición más nata. Donde sea que te encuentres, analista del tiempo. Sobreponte al miedo, al dolor, con mirada de proeza intangible.

Cambia finalmente la dirección del viento, hablando con el ser silvestre la oratoria mental que te substraiga. Sigiloso entre la maleza desciende, nos protege, nos acompaña.

II

La ignorancia es para algunos del todo negativa. Distinta es la pequeñez nostálgica de la infancia a la grandilocuente búsqueda de las conciencias críticas o la purista lógica de la lucidez inexorable. Más bien la intuición inofensiva desentrañando la mortandad que llevamos dentro.

Hay una degeneración del pensamiento, una mutación de doctrinas, finalmente el olvido. La verdad es un arquetipo menor, la inutilidad o el oportunismo. La evidencia una invención de propagandas, fuera del registro de la voz. Ante la indagatoria, farsas con símil de certezas, ante el documento, artefactos de pomposidad  y hedonismo. Imperio abrupto, sin posibilidad siquiera de fatalidad repentina.

No hay misterio de la vida que supere las expectativas del día.  El que destruye es el mismo que prontamente destina auxilio, el que muestra cielos, desde su otra mano tiende infiernos. Pesada rueda del axioma, conquista el silencio a los pies del Sumeru.

Atrás ha quedado la tierra de mis ancestros, los abuelos muertos, lo sagrado en los elementos. Es mi piel lava de cánticos, fuego y bronces que me conducen a la naturaleza. En pena los corderos de mi padre pastan, ¡madre mía! demonios danzan. La esencia del deseo estremeciendo, con poder, la profundidad de la tierra.

La espera termina cuando me sostengo en la roca, alzo la oratoria parida entre dos montañas, caen hojas pagadas en manda. Matiz cálido de altura y desolación duermen.

La visión enciende hogueras en el vértigo de la orilla volcánica. Gigantes planetarios observan estandartes al sol de humos y hayes. Niño ausente de mi palabra, te dedico este ritual mi canto, llamado cauzulor de la lengua nuestra. Culto a los antepasados que nos protegen. Mágica, religiosa y curativa mente.

III

En el continuo proceso de la injusticia histórica. Cargo palabras sin que puedan anular la prosa, o  vincularla en descrédito a los intereses creados por la institucionalidad de turno.

Atravieso el umbral, ligado a la absoluta certeza de lo inconmensurable que existe. Habito una franja que no reconoce raíces. Y en el orbe la cosa no es mejor. La intención intelecta es sólo placer de legos, entre informes de lengua muerta y números.

Persuasiva es la artimaña del dominio, el control y la imposición ideológica. Concentran su inabordable astronomía, su magnitud, ligando simulacros.  Y caen los cuerpos negros de exterminio.

Soy Igual a todas las especies, anhelo la risa de otros niños. Nos quieren culpar por pertenecer al origen, nos quieren culpar por habitar el tiempo. Voy ausente  en los ojos de una lejanía natural y pasiva. Vuelvo a éste punto.

Derribo artilugios con el Waki ofrendado a la tierra, limpio el lugar de siempre. Pido perdón por todas mis ofensas y las de aquellos que desconocen el canto antiguo. Danzo círculos alegres, en la frontera de mi corazón. Suenan instrumentos, igual al fluido de todas las aguas.


muzderauli

Apocalípticas del sueño

Marioneta de Papel

Micth Dobrowner

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Crecí en Long Island (Bethpage), NY – En mi adolescencia me sentía perdido. Preocupado por la futura dirección de mi vida, mi padre me dio un telémetro Argus para que me entretuviese. En aquel momento no se dio cuenta de la importancia y de las consecuencias que aquel gesto tuvo en mi vida.

Después de investigar y ver las imágenes de Minor White y Ansel Adams rápidamente me convertí en un adicto a la fotografía.

Si me extiendo: me marché de casa a los 21, dejando mi trabajo, a mi familia y amigos para ver el suroeste de Estados Unidos. En California, finalmente me encontré a mi esposa, con la que tuve 3 hijos, creamos nuestro propio estudio de diseño – las tareas de dirigir el negocio y criar una familia cobraron preeminencia ante la pasión fotográfica, por lo que durante ese tiempo dejé de tomar fotografías.

Años más tarde, a principios de 2005, inspirado por mi esposa, hijos y amigos, volví a recoger mi cámara. Hoy percibo una misión apasionante para compensar los años de tiempo perdido – la creación de imágenes que ayuden a evocar cómo veo nuestro bello planeta.

Creo que les debo mucho a los grandes fotógrafos del pasado, especialmente Ansel Adams, por su dedicación a la actividad artesanal y por inspirar mi adolescencia. Aunque nunca llegué a conocerlos, su estímulo me ayudó a determinar el curso que tomaría mi vida.

Actualmente vivo con mi esposa Wendy, nuestros 2 hijos, Jason y Joshua, mi perro Jimi y mi gato Nicky en Studio City, California. Nuestra hija vive a poca distancia con su marido y su hijo Brian Eliette.

Mitch Dobrowner Photography

www.mitchdobrowner.com

Aceituno + Becerro

Puestas en Escena

transcripción by muzderauli


Jorge Aceituno

Hago puestas en escena porque son un desafío encubierto bajo la forma de un juego de arquitectura fotográfica. Una suerte de laberinto que me conduce a descubrir y entrelazar la luz y la sombra con la vida propia de personajes, objetos y ambientaciones que resumen mis intereses creativos y sociales.

Cada puesta en escena es un trabajo que me permite integrar elementos conceptuales del teatro, la pintura, la escultura y las instalaciones, para abordar “desde la fotografía” tópicos sociales que van desde la no discriminación hasta la puesta en valor de la belleza de los marginados, intentando con este gesto artístico hacer visible el derecho universal a la imagen y la representación.

Aceituno+Becerro: “puestas en escena” es fruto de un diálogo creativo con un artista visual que continuamente sacude la escena nacional. En esta colaboración, cada uno desde su trinchera ha ayudado a construir y alimentar una sensibilidad que traspasa y transgrede tanto nuestros límites individuales, como las cotas socialmente asignadas a la fotografía y las artes visuales.

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Antonio Becerro


Hay algo más humano que el mismo humano y eso es arte. No existe ninguna imagen que influya más en el arte que la del cuerpo humano en todas sus dimensiones, físicas y espirituales.

La obsesión por el cuerpo humano y su tratamiento es de todos los siglos. Miles de imágenes se nos vienen encima desde la antigüedad hasta los tiempos contemporáneos: de frente, de perfil, con volumen, con ropas, en paisajes rurales, en la urbe, en el mármol, la madera, el cemento, el plástico, a lo perrito, etc. Todos han buscado el ángulo más claro y perfecto para representar la figura humana de su tiempo. No sé con exactitud que nos gatilla la exacerbación del cuerpo, de dónde proviene, sólo sé que el instinto de exageración del arte es la única base para el primer desposte visual de esta presencia.

Yo no tengo el afán de explicaciones de mis obras. “¿Cuál es el aporte de estos trabajos?”, me preguntó alguien. “¿Hay alguna contribución para la fotografía de la escena local?”. ¡Basta! ¿Cuál escena local?, ¿Para qué y para quién es el aporte? En cuanto a mí, sólo me interesa el saber, estirar mi brazo y tocar mi fe, ¿Qué entendería el estúpido pupilo del saber y la fe? En lo humano, el que ve un poco más es el que sabe que tiene el poder.

Me pregunto qué ocurre en lo animal. ¿Habrá visto la tortuga, con su lentitud, el vuelo de una mosca?. Qué cosas no. ¿Seré tonto? ¿Cuál es el aporte de la banalidad de la imagen contemporánea a la figura humana? ¿Retrato por internet? ¿Rinoplastía? ¿Cirugías estéticas? ¿Liposucciones? ¿Lipoesculturas? ¿Cirugías express? ¿Corte y ponga acá? ¿Photoshop? ¿Cuerpitos pintados? ¿Tatuajes en el pecho? ¿Piercing en la lengua? ¿Corte de pelo punkito, amarillito? ¿Retención de la imagen humana en súper reproducción clonada del cuerpo perfecto? ¿Limpieza de dientes para el blanco radiante? ¿Levantamiento de tetas siliconadas? ¿Suspensión de culos fabulosos, listos para posar una copa de vino y crear una naturaleza muerta? ¡Qué maravilla! ¡Nos sobran partes! ¡Nos faltan cosas!

La fotografía como registro y como técnica científica ya hizo y hace lo suyo. El retrato de un boxeador decadente, el instante en que un policía golpea a un sospechoso, una lágrima cayendo del ojo de una mujer, la textura de un tenedor, un perro mordiendo a su amo o que se yo. La pintura también captura lo propio, sólo que con una fuga del instante de la realidad visual, que se trasvasija en luz.

¿Qué son estas puestas en escena para mí? ¿Pintura? ¿Fotografía? ¿Es acaso el relevo de la pintura y la fotografía? Ni lo uno ni lo otro, podría ser fotopinturas que sólo persiguen una proporción de luz, que libera y encajona a la vez, el quiebre del filamento de la luz, que a veces es el instante preciso para decir clic.

Claro que por eso admito que se persigue el uso y el abuso de la luz. El chorro de luz sobre las cosas y el tenebrismo de  la nada.

Aceituno+Becerro: “puestas en escena” es una fusión, un mestizaje. Es la liberación de la pintura y  la fotografía a través de la proporción de luz. Estas obras son organismos vivos en que los modelos, como si fueran óleos humanos, aportan con su luz propia. También podrían ser animaciones muertas desde la quietud y el silencio de la taxidermia, que representa al cadáver con apariencia de vivo.

El arte mayor es aquel que engaña con fabulosa prestidigitación al ojo humano, haciéndole creer que lo que ve es casi real. Pero hay un arte supremo, que es ese que te hace creer que vas a tocar el alma de las cosas, sentir su luz.

Fuera de la parálisis de estas reflexiones, sólo una cosa más para terminar: creo que hay dos formas de conservar la especie, una es con la repetición de la imagen como recurso de retención de la cosa y la otra es con la taxidermia en luz.

Marioneta de Papel

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